фото с сайта театра

Юрий Грымов представил свою версию романа Дэниела Киза «Цветы для Элджернона» на сцене РАМТа.

Инсценировать роман (рассказ, повесть) значит практически то же самое, что пройтись по краю пропасти. Передать абсолютно все грани произведения на сцене задача практически не выполнимая. В этом деле главное - это подход, с которым ставят роман. В последнее время режиссеры очень часто добавляют в спектакли чрезмерное количество аллюзий, искажают сюжет, добавляют не нужные спец.эффекты, чтобы зацепить, удивить зрителя.
В спектакле «Цветы для Элджернона» роман Дэниела Киза взят за основу. Он - стебель цветка-спектакля. А какой будет раскрывшийся бутон, каждый зритель решит для себя сам.
Пространство представляет собой довольно просторную комнату с кажущимися высокими потолками, под которые можно взлететь. Но на самом деле пространство ограниченно (относительно низкие потолки, стены расположены близко), так же как и способности главного героя Чарли Гордона. Не стоит упускать из виду и бесконечное давление на Чарли лечащими врачами и его внутреннее состояние. Поэтому на сцене появляется плотная белая ткань то взметающаяся вверх и выталкивающая Чарли, как инородное вещество. То опускающаяся вниз и придавливающая его к земле.
Правда, в период, когда Чарли будет на пике умственной деятельности, он все же будет подниматься под потолок. На построенный там помост, представляющий собой нечто вроде крыши дома.
Чарли (Максим Керин) высокий молодой человек с большими глазами в белом одеянии. Он честно верит в то, что у него много друзей и его все любят. И он честно старается стать умным.
Максим Керин, выпускник ВТУ им. Щепкина, настолько тонко смог передать мучения души Чарли, что стенания героя невидимым покрывалом окутывают зрителя, вовлекают в действие и не отпускают ещё долго по окончанию спектакля.
Пока Чарли ещё слабоумный его пространство свободно. Оно не загромождено ничем лишним. Есть только стол и два стула. И вот Чарли, после операции, прогрессирует и в итоге становится гением. Пространство тут же заполняется не нужными вещами, воспоминаниями, знаниями. На сцене появляется много стульев, столы, телевизор, торшер.… И много всего, что не дает герою двигаться без препятствий.
Единственным другом для Чарли становится мышь Элджернон, которому сделали такую же операцию. Только этот мышь его не предал и благодаря ему Чарли смог понять, что происходит с ним самим и какой конец его ждет.
Чарли даст науке формулу, по которой функционирует искусственный интеллект.
И вот когда Чарли вернется в дооперационное состояние, он уйдет от своих знакомых, друзей, родственников. Уйдет в зрительный зал как в зеркальное отражение заднего двора, на котором похоронен Элджернон. И которому, возможно, кто-то принесет цветы.

«Мертвые души» - души умерших людей или же души людей живущих с «мертвой» душой? Ответ на этот вопрос искал Гоголь, а вместе с ним поиски продолжил и театр им. Маяковского.
Сюжет «Мертвых душ», с одной стороны, прост. Человек хочет быть счастливым. Для каждого понятие «счастья» свое. Например, человек хочет быть богатым, чтобы содержать семью.  Но какими способами он будет добиваться своего счастья? Сможет ли он сохранить душу?
Гоголь представляет нам героев со сложившимися жизненными принципами, стараясь объяснить, почему они стали такими. Судьба у всех была разная, со своими испытаниями, каждый приходит к своему финалу. А сохранили ли они «живыми» души?
«Мертвые души» неоднократно ставились на сценах театров России. И в каждой постановке делался акцент на одной или нескольких темах, которые выделял режиссер. Театр им. Маяковского в спектакле выделил вопрос: что делать человеку, чтобы сохранить душу?
Мир – это бесконечный круговорот изменений, чтобы в нем выжить необходимо двигаться и развиваться. Душа – это основная составляющая мира, помещённая в сосуд. Сосуд – это тело человека. Если человек не стремится ухаживать за душой – трудиться, развиваться, познавать новое – то душа «умирает» в нем. Но можно ли возродить душу?
В спектакле можно увидеть надежду, что даже в самых сложных обстоятельствах, при желании человека исправить ошибки и измениться, возрождение души возможно.
 
У Чичикова мечта о семье и детях – и есть его спасение души, только вначале он идет к ней ошибочным путем. Он шел к ней путем обмана. Но даже ради самой благородной мечты нельзя идти такой тропой. Ступая на дорогу лжи, человек губит душу. Вроде бы он стремится к цели, но идет «по головам». Если все будут подражать такому примеру, то души погибнут. Путь обмана – скользкий путь. Ступая на него, спастись вряд ли получится.
  В музыкальном оформлении Владимира Дашкевича было отражено и переживания человека, и сама Россия. Музыка придавала спектаклю больше мрачности и  напряженности. А главное она была к месту и была запоминающаяся. Что является редкостью, часто она проходит мимо зрителя.
  В театре им. Маяковского можно прочувствовать произведение наиболее тонко, благодаря особой атмосфере. Первое, что бросается в глаза -  оформление зала, которое выполнено в красном цвете. Возможно, красный цвет и действует как раздражитель. Но здесь это уместно. Это дань прошлому театра, отголосок из истории, который раньше был театром Революции.
А в постановке Сергея Арцибашева, который до 2011 года был художественным руководителем театра, можно наблюдать революционные нотки и в поведении героев во втором акте. Революцию в умирающей душе, которая возрождает себя, общество, страну.
  Спектакль представлен как трагикомедия в двух актах. Один акт – это один том. Режиссерская линия выстроена очень грамотно. Сергей Арцибашев передал мистику произведения Гоголя, борьбу «мертвой» и «живой» души в каждом человеке. И до последней речи Чичикова остается загадкой, что же в итоге победит.
 
Очень много смысла заложено в декорациях и костюмах.
В первом акте все актеры в цветных ярких костюмах. Души их еще «живые». Они ещё видят краски, радость; они ещё не опустели, не очерствели. А на заднем фоне черный вращающийся барабан; то ускоряющий, то замедляющий темп. Так же как и сама жизнь: то разгоняется, то замедляется, а в конце совсем останавливается. Барабан как вторая сцена, на которой появляются то комнаты героев, то головы чиновников, то руки невидимых собеседников, появляются и исчезают вещи.
Декорацию в виде барабана можно расценивать не только как полноту жизни, которой живут герои, но и как дописанный первый том. Черные декорации – отражение мрачности поэмы Гоголя и напоминание о постепенной гибели души человека, который не заботится о своем саморазвитии.

Мрачные «живые» декорации были и в «Участи Электры» в РАМТе, которые произвели сильнейшее впечатление и сделали спектакль. Они тоже создавали напряженность и ощущение задействованности зрителя в спектакле. Только в театре им. Маяковского они эффект усилился благодаря использованию рук. В прямом смысле. Стены могут держать человека или отпустить его. У стен есть не только «уши», но и «руки», которые могут его поддержать и не дать опуститься, или навсегда закрыть от жизни.
Во втором акте все актеры в черно-белых костюмах и уже не барабан на заднем плане, а полукруг. Это сожжённый второй том и гибель души человека. Очень интересная находка показать, вернее подчеркнуть более явно, «мертвую» душу в мизансцене, когда Чичиков приходит к генералу Бетрищеву. В кабинете генерала висит его цветной портрет, а внизу, под портретом, висит красный пиджак с орденами. Когда-то в молодости Бетрищев был с «живой» душой, воевал с французами, стремился к новому. А теперь он уставший от жизни человек, его мало что интересует. Кажется, что точка поставлена. Его душа умерла. Но красный пиджак! Красный – цвет революции. Значит, не все ещё потеряно. Значит, есть ещё надежда на возрождение души.
Чичиков (Сергей Удовик) был мямлей, ведомым, неуверенным человеком. Не было в нем видно желания заработать, ради которого он совершал махинации. В спектакль он вписался, но роль не удалась. Чичиков – человек, знающий себе цену и уверенный в действиях. Он идет к цели. Удовик затерялся среди декораций, костюмов и других актеров. Чичиков был не главный герой, а как призма, через которую проходят главные герои (Собакевич, Плюшкин, Коробочка).
Представить красавца-мужчину Игоря Костолевского в роли Плюшкина было немыслимо. Грим и актерское мастерство сделали свое дело. Костолевского было не узнать. Он был похож на бабу-ягу. Даже рассматривая в бинокль невозможно поверить, что это тот самый Костолевский. Такое преображение. На сцене был, действительно, Плюшкин. И никто иной. Если бы у Костолевского не было второй роли во втором акте, где он играет  генерал-губернатора, то можно было подумать: «в программке ошибка». Браво, Маэстро!
Финальная речь генерал-губернатора в исполнении Костолевского была актуальна как никогда. Да, ее писал Гоголь много лет назад. Да, ее отредактировали. Но суть осталась. И суть за эти столетия не изменилась. От этого и хочется плакать, не верить что это правда. Жаль, что эти слова не каждый зритель примет на свой счет.
Коробочка (Светлана Немоляева) одинокая вдова, туго соображающая. А может даже и не туго. Просто ей не с кем поговорить, и она таким способом пытается задержать тех, кто к ней заходит. Немоляева удивительно точно передала все черты и повадки Коробочки. Ощущение твердолобой вдовы было передано точно.
Старая гвардия актеров не растеряла свой талант и мастерство.
Собакевич (Александр Андриенко) не был неуклюж и угловат. Не было полноты характера, не раскрыт герой как таковой. Собакевич не упустит своей выгоды. Он не любит общество, закрыт в себе. Было такое ощущение, что Андриенко просто зачитал текст.

Спектакль заканчивается фразой Чичикова: «Душа бессмертна!». Значит, герои осознали свои ошибки. Значит, души будут «живыми». Торжество жизни и желания познавать новое восторжествовало. Можно воссоздать душу из пепла, как воссоздали второй том «Мертвых душ». После спектакля хочется пересмотреть свою душу, улучшить ее, стремиться к совершенству.

Постановка «Мертвых душ» в театре им. Маяковского – это не просто спектакль о борьбе душ, но и дань уважения к Николаю Гоголю. Спектаклю, сделанного с такой любовью, можно простить мелкие недочеты.
 

В романе Михаила Булгакова «Мастер и Маргарита» затрагиваются темы добра и зла, трусости и благородства, мести и прощения. А также веры в то, что любящее сердце способно творить чудеса. Но основной темой является двойственность мира. Об этом Михаил Афанасьевич напоминает ещё и тем, что в романе параллельно развиваются две сюжетные линии, сплетаясь в конце воедино.

В спектакле МХАТа им. Горького, в постановке Беляковича, о двойственности напоминает многое. В том числе и отсутствие, так называемой, «четвертой стены», которая завлекает зрителей в действие и делает их участниками представления. То есть появляются активные и пассивные участники. Это тоже отражение добра и зла. Активность и пассивность могут быть и полезными, приносящими добро, и разрушительными, приносящими зло.
И минимализм декораций, в создании атмосферы присутствия зрителей в спектакле, играет важную роль. На сцене только алюминиевые листы, которые превращаются в рукописи гения. И из них появляются герои произведения под мистическую музыку. Отсутствие «задников» на сцене дает возможность видеть все пространство и как бы «читать между строк». Как и в самом произведении.
А когда Иешуа рассказывал Понтию Пилату о том, что он пришел в дом Иуды, и тот зажег свечи в доме. То по бокам сцены, на верху, зажигаются рампы, и зрители как будто переносятся в дом Иуды. И присутствуют при разговоре двух людей.
Но на этом участие пришедших на постановку романа не останавливается. Зрители становятся зрителями представления в варьете, и подтверждают актуальность темы о неизменности московских горожан внутренне. Хоть все и знают историю, и падающие бумажки, по сути, не нужны никому, но «червонцы» ловили практически все. Если есть такая возможность почему бы не попытать счастья или подыграть?
Воланд и его свита также напоминают о двойственности мира. Сатана в черном костюме, но с белыми волосами. Лицо Азазело в белом гриме. А лицо Коровьева разделено пополам. В каждом плохо есть хорошо. Но появляющийся красный свет не дает забыть об истинной личине Воланда и его свиты – грех, муки и ад.
Но и в каждом хорошо есть плохо. Это отражается и в костюме Мастера: белая ночная рубашка, а поверх нее черный плащ. Понимая, что находясь в психиатрической лечебнице, он не принесет Маргарите счастья, Мастер отрекается от нее, принося себя в жертву ради любви. Гонения, из-за написанного романа, делают Мастера более жестким, заставляют закрыться от мира. Но внутри Мастер чист. Мысли героя светлы, поэтому его речь должна завораживать. Он говорит и от лица Иешуа, в том числе. А от речи Мастера, в исполнении Александра Титоренко, не было «комка в горле». Не чувствовался внутренний свет, который был в книге и читался по костюмам. Не было той привлекающей силы, которую хотелось видеть. В Мастера влюбляешься не за внешнюю красоту, а за внутренне «свечение». Именно этого не хватило Титоренко для удачного исполнения роли.

Человек, попадая в паутину Дьявола, которую тот плетет веками, не всегда может выйти из нее достойно. Для этого необходимо иметь любящее сердце. Но любовь бывает разной: эгоистичной, добродетельной, спасительной, губительной и т.д. Страшнее всего не умение признаваться самому себе в чувствах и боязнь отстаивать их. Как говорил Иешуа: «В числе человеческих пороков одним из самых главных он считает трусость».
Маргарита, появляющаяся на сцене в черном платье, винит себя, что живет с человеком, которого не любит. И боится уйти от него, потому что муж не сделал ей ничего плохого. Черное платье можно расценить, как внутреннюю ненависть к себе, как трусость уйти от мужа к любовнику.
В спектакле Маргарита вышла без желтых цветов, которые были при встрече с Мастером. Их очень не хватало, так как желтый цвет – цвет прощания. А в конце они прощаются с этим миром и приобретают покой в ином мире. Это очень символично, что их судьба уже предначертана изначально. Именно об этом и говорит Воланд при встрече с Берлиозом. Нужно было это показать желтыми цветами.
Когда Маргарита принимает предложение Азазело, забирая крем, она сбрасывает с себя оковы. Ее платье теперь белое. Она «невидима и свободна».
И в этот момент декорации, все те же листья, превращаются в ветер, создавая ощущение полета. А музыка предает полету скорость. Маргарита, не отрываясь от пола, летит. Полет был создан без дополнительных технических средств. А с помощью минимальных декораций, музыки и актеров. При этом не было иллюзии обмана, было ощущение полета вместе с героиней.
Но полет длиться не долго, поскольку Маргарита все же заключила сделку с Дьяволом. И на балу и после него, она вновь облачена в черное одеяние. Она приносит себя в жертву ради любви, спасая Мастера. Да, истинная любовь существует и может творить чудеса. Но и у нее есть две стороны: чтобы что-то получить, нужно что-то потерять.
В Маргарите можно увидеть много двойственности: она одновременно сильная и слабая, решительная и нежная, любящая и ненавидящая. Маргарита Ирины Фадиной не менялась в эмоциях на протяжении всего спектакля. Как же не хватало отчаянности и страсти в любви к Мастеру! Как хотелось видеть перемены в героине!
Многие огрехи главных героев можно не заметить, благодаря настоящему Воланду (Михаил Кабанов). Передать голосом и взглядом, присутствие сатаны, до «мурашек», до оцепенения. Да, его предназначение зло, но он иногда прощает и дает людям второй шанс. Сатана не абстрактное, мифическое существо. Воланд существует в каждом из нас, так же как и Иешуа. Двойственность необходима, чтобы можно было понять «что такое хорошо, а что такое плохо». И у людей всегда должен быть выбор.
Коровьев – герой, который подстраивается под любую ситуацию. Чтобы выжить в изменчивом мире, необходимо уметь прогибаться под него. Умение «прогибаться под изменчивый мир» можно наблюдать в пластике Фагота (Георгий Иобадзе). Зрителям было представлено нечто вроде пантомимы, в которой каждый увидит что-то свое.
Двойственность читается и в костюме Понтия Пилата. Бело-красное платье прокуратора, обязанностью которого является приговаривать людей к смерти или их оправдывать, напоминает о его причастности к смерти невинного. Того кого он сам не хотел казнить, ведь в глубине души Игемону нравились проповеди Иешуа. Но он побоялся признаться в этом перед Синедрионом. Понтий Пилат осознал свою ошибку слишком поздно. Отомстив Иуде, он не вернул себе покоя. Спустя лишь много лет он получит покой, благодаря прощению Мастер от лица Иешуа.
Валентин Клементьев представляет Понтия Пилата, в котором чувствуется внутренняя ненависть к Ершалаиму. Но на его лица никто не видит никаких эмоций. Он привык скрывать свои чувства от всех. Прокуратору не с кем ими делиться, кроме своей верной собаки.
Зло и добро существовали, существуют и будут существовать. Так и должно быть. Без зла люди не узнали о добре. Борьба этих двух сил нужна для движения жизни, она делает ее более интересной. Благодаря роману Михаила Булгакова и спектаклю МХАТа им. Горького, задумываешься об умении любить, осознавать свои ошибки и вовремя их исправлять, не бояться своих мыслей и чувств. А главное правильно выбирать внутреннего спутника: Воланда или Иешуа.